迪士尼的多平面摄影机：景深的引入与创新的精神
之前，我们在迪士尼帝国的第一部大师之作一文中提到：华特·迪士尼在创作《白雪公主》时为了模拟真人电影的效果，和工程师们创造出一种全新的动画摄影技术——多平面摄影机。（备注：多平面摄影机『MultiPlaneCamera』，中文还有多层次摄影机译名等。）
文|TonyXian
当以蓝色为背景的童话城堡标志出现时，我们就期待看到一部拥有如下特征的电影：载歌载舞、人物鲜明、情节丰富，而且视觉效果极为出色。
这种期待感主要源自一种默默无闻的创新传统。
据员工讲，华特·迪士尼曾热情宣告：“我们不是在制作电影，而是在创造艺术。”
华特·迪士尼
为了回应质疑，迪士尼团队在动画创作上不断寻求突破，尝试各种声音和色彩，敢于探索技术创新。比如，使用光学印片机（OpticalPrinter）将真人实拍和动画结合起来，使用静电复印技术（Xerocopying）批量创作角色。
多平面摄影机
在我看来，迪士尼最好的创新是多平面摄影机。
更确切来说，它的设计初衷是为了将景深和律动的效果注入到由原始图画组成的二维动画中。
多平面摄影机解决长久以来困扰迪士尼团队的问题。
如何让图画看上去就像是摄影机拍出的真实场景，问题在于，我们的动画背景只是平面图画。（华特·迪士尼，1936年）
《白雪公主与七个小矮人》
迪士尼初入这一领域时，动画还只能表现“平面世界”，但已经有人提出在画面中要体现景深的概念。
《恐龙葛蒂》，1914年
上图中的画面并没有真正实现景深，但这里运用了缩放的概念。
恐龙葛蒂和树的大小比例正常，蜿蜒的海岸线连接着前景与背景，构造出了空间上的错觉。
尽管如此，本片还是没有摆脱浓浓的平面感。
《爱丽丝》剧集，1925年，也是得益于平面画风
事实上，早期的那些动画明星都得益于这种平面画风，以此为视觉语言的重要部分，这也包括迪士尼早期的作品。
不过，迪士尼和他的团队都是持续创新者，他们不断探索动画制作的边界，提升动画的本质。
只要拿两个版本的《丑小鸭》作比较就看得出。
1931年（左），1939年（右）
30年代初和30年代末这两个版本，无疑见证了动画技术在短期内的飞跃。
30年代初的版本中，故事不过是一系列视觉桥段的堆砌，但品质却完全符合那个年代的标准。尽管有明显的前景、中景和背景，角色却显得浮于画面之上，而不是融入其中。
平面背景图
这版《丑小鸭》就是通过这样的平面背景图做出来的，角色是动态的，但是背景不是。
《丑小鸭》
多平面摄影机产生的景深感带来了新的可能性，就是用动画的特有形式来挖掘故事潜力。
罗杰·艾伯特
这个装置的运作原理是什么呢？
运作原理：将每个物件分层，拍摄时，控制每层的远近，就可以实现景深变化
场景中的元素根据与观众的距离远近而区分开来，这就将月亮放在距离镜头最远的平台上。通过这种方法来分解图片，再让每个单独的部分以相对的速度，靠近或远离摄影机。（华特·迪士尼）
换句话说，就是制造出视差。
华特·迪士尼讲解（如图所示）
在这个月夜场景，当我们将镜头拉近时，你就会发现所有的东西都在变大，包括月亮在内。如果你在现实中沿着乡间小道向月亮走去，月亮可不是这么变大的。（华特·迪士尼）
问题在于，和实拍不同，在动画中镜头正常推进时，所有东西都会变大。这种效果就像是实拍中的变焦镜头一样，摄影机保持静止而图像本身变大了。
说白了，多平面摄影机所要实现的就是模拟出移动变焦的效果。
当时使用的转描机技术，可以制造平面移动
为此，每个画面都得有一个定点参照物。一般来说，选取角色当作参照物，相对而言，其他元素就都在移动。
不过动画师们只能实现横向位移，多平面摄影机解决了这种限制，画面的焦点不需要固定在角色上，可以与角色身边的元素以及镜头一起自由移动，这种效果在《木偶奇遇记》中尤为明显。
《木偶奇遇记》
多平面摄影机表现出的高水准，不仅还原了画面真实的景深，还保留了空间移动的固有完整性。
镜头穿过屋顶，穿过村庄，向观众展示了故事不仅发生于取景框之内，而在一个有待探索的完整世界里。
多平面摄影机40年代后使用的并不多，1989年版的《小美人鱼》中的应用是它最后的亮相。
1989年版的《小美人鱼》
数十年过去，我们越来越难看到能够企及早期动画奇思妙想的作品，基本上动画创作又回归使用定位镜头。
比如《木偶奇遇记》、《幻想曲》和《小鹿斑比》，这些虽然都是杰作，但票房失利导致公司陷入连年紧缩的状态。
使用多平面摄影机
公司紧张的财政状况，可以从这些镜头中的反复使用中清晰感到。
尽管动画师们依然能够生产出令他们声名远扬的动画角色，但想要重拾早期作品中那些创新精神，动画电影还有很长的路要走。